Histoire du jazz

Au delà de la difficulté à définir précisément la musique qu'il désigne, l'origine du mot jazz est elle-même sujette à controverses. Les hypothèses avancées quant aux origines de ce nom sont multiples et aucune ne semble faire l'unanimité. Le mot jazz pourrait être dérivé du nom de musiciens (comme Chas Washington) ; de l'argot avec des connotations sexuelles ou qui indiquent l'énergie ou la force; du jasmin que l'industrie cosmétique française avait utilisé dans ses parfums, qui étaient vendus à Nouvelle-Orléans (une théorie de Garvin Bushell) ; d'une déformation du chassé ou chasse-beau, figure du cakewalk (danse du gâteau, à la mode au XIXe siècle), ou des racines africaines comme le mot bantou jaja (« danser », « jouer de la musique »), sur le terme africain jasi (« être excité ») ou jaiza (« son lointain des percussions »).La dernière apellation viendrait de certaines tribus indonésiennes qui apellait "jaze baqti" une musique rythmé... Les recherches de Gerald Cohen indiquent que le mot apparaît pour la première fois sous la plume de E. T. « Scoop » Gleeson dans le San Francisco bulletin en mars 1913. Il appartient alors au jargon du baseball pour désigner l'énergie d'un joueur. Le mot aurait été employé pour qualifier la musique du groupe d'Art Hickman qui jouait dans le camp d'entraînement des San Francisco Seals. Le groupe endossa l'adjectif lors de ses engagements à New York en 1914 et le terme se répandit progressivement jusqu'à Chicago avant de revenir en Nouvelle-Orléans sous la forme d'une lettre de Freddie Keppard à King Oliver qui le popularisera dès 1917 avec son protégé, Louis Armstrong. Le terme était diversement apprécié des musiciens pour ses connotations scabreuses (Duke Ellington en particulier préférait l'appellation « Negro music »). Durant les années 1930 et 1940, de nombreuses alternatives ont été proposées telles que ragtonia, syncopep, crewcut, Amerimusic, ou encore jarb, sans grand succès. La diffusion du mot « jazz » (bien que sous sa forme Jass) est largement associée à son apparition sur le premier enregistrement du style, en mars 1917 par l'Original Dixieland Jass Band.
L'une des principales influences du jazz, outre les chants religieux (Negro spirituals, puis gospel songs) et les work songs (chants de travail des esclaves dans les plantations de coton) fut le blues, une musique rurale qui évolua avec la migration des populations noires vers les grandes agglomérations, à la fin du XIXe siècle. Parmi les premiers musiciens de jazz, nombreux étaient ceux qui vivaient de leur prestation dans de petites fanfares; les instruments de ces groupes devinrent les instruments de base du jazz : cuivres, instruments à anches et batterie. La fin de la guerre civile, et les surplus d'instruments de musique militaire qu'elle entraîna, ne fit qu'amplifier le mouvement. Les premiers jazz bands utilisaient fréquemment la structure et le rythme des marches, qui étaient le type de musique de concert le plus courant à l'époque. Malgré ses racines populaires, on trouve parmi les créateurs du jazz des musiciens de formation classique, tels que Lorenzo Tio ou Scott Joplin (pianiste de ragtime dans un hôtel qui composait en même temps un opéra – ce qui montre bien toutes les influences dont a pu hériter le jazz à cette époque). Un événement important dans le développement du jazz fut le durcissement des lois de Jim Crow sur la ségrégation raciale en Louisiane, dans les années 1890. Les musiciens professionnels de couleur ne furent plus autorisés à se produire en compagnie de musiciens blancs ; en revanche, ils trouvèrent facilement du travail parmi les fanfares et les orchestres noirs, qu'ils firent profiter de leur expérience de conservatoire. À l'aube de la Première Guerre mondiale, on assista à une libéralisation des coutumes. Des salles de danse, des clubs et des salons de thé ouvrirent leurs portes dans les villes, et des danses noires telles que le cakewalk et le shimmy furent peu à peu adoptées par le public blanc, principalement les jeunes (les flappers). Ces danses apparurent tout d'abord lors de spectacles de vaudeville, puis lors de démonstrations de danse dans les clubs. La plupart du temps, la musique de ces danses n'avait rien à voir avec le jazz, mais c'était une musique nouvelle, et l'engouement pour cette nouvelle musique expliquait l'engouement pour une certaine forme de jazz. Des compositeurs célèbres tels qu'Irving Berlin s'essayèrent alors au jazz, mais ils n'utilisaient que rarement cet attribut qui est la seconde nature du jazz : le rythme. Néanmoins, rien ne popularisa plus le jazz que le titre d'Irving Berlin Alexander's Ragtime Band (1911). Son succès fut tel qu'on l'entendit jusqu'à Vienne. Bien que ce ne fût pas un ragtime, les paroles décrivaient un orchestre de jazz qui mettait du rythme dans des chansons populaires, comme l'indique le vers « If you want to hear the Swanee River played in ragtime… » (Si vous voulez entendre Swanee River joué en ragtime…). L'apparition des phonographes permit la diffusion de cette nouvelle musique. C'est l'enregistrement du premier disque en 1917 par l'Original Dixieland Jass Band (ironiquement un orchestre de musiciens blancs) qui marque la naissance officielle du jazz. Notons qu'avant la généralisation du phonographe, il a été enregistré de nombreux morceaux avec le piano mécanique. Ainsi a-t-on gardé de nombreux rouleaux de Scott Joplin. King Oliver a été le chef d'un premier orchestre important, le « Creole Jazz Band » dont fera partie Louis Armstrong. Jelly Roll Morton a su transformer la musique de ragtime en jazz et il a enregistré avec ses « Red Hot Peppers » (qui comprenaient les meilleurs musiciens de Chicago) des chefs d'œuvres. Lors de quelques enregistrements spécifiquement destinés au public noir (les race records) Louis Armstrong amena une première évolution décisive du jazz : il jouait avec un orchestre typique de La Nouvelle-Orléans, ces orchestres où tous les musiciens improvisent simultanément. Mais Louis était un improvisateur hors pair, capable de créer des variations infinies à partir d'un même thème. Ses musiciens l'imitèrent, non plus tous en même temps, mais chacun leur tour. C'est ainsi que le jazz devint une forme de musique en solo. (voir Jazz Nouvelle-Orléans). L'apparition des salles de danse influença le milieu du jazz de deux façons : les musiciens se firent plus nombreux, puisqu'ils commençaient à pouvoir vivre de leur musique, et le jazz – comme toutes les musiques populaires des années vingt – adopta le rythme 4/4 de la musique de danse. Au milieu des années 1920 jusqu’à l’avènement du bebop dans les années 1940, on a vu l'essor d'un courant musical appelé l'« ère des big bands », « époque du swing », « swing », ou la période de middle jazz (jazz du « milieu »). Il est surtout caractérisé par le développement des grands orchestres et big bands et du swing. Lors des années 1920, la prohibition de la vente de boissons alcoolisées aux États-Unis a fermé les bars et les cabarets légaux. Mais ils furent rapidement remplacés par des bars clandestins où les clients venaient boire et écouter de la musique. Les airs que l'on y entendait demeuraient un mélange de styles – des morceaux de danse à la mode, des chansons récentes, des airs extraits de spectacles. Ce qu'un trompettiste surnomma un jour « Businessman's bounce music ». Cette période marqua la naissance de l'orchestre de Duke Ellington, au Cotton Club, ainsi que de l'orchestre de Count Basie, formé à partir de plusieurs groupes de Kansas City. La danse évolua avec la musique, ainsi naquit au début des années 30 dans la communauté noire-américaine le Lindy Hop (ou Jitterbug) qui devint un phénomène national dès 1935, avec la popularisation des big bands blancs avec en particulier Benny Goodman. Les premiers développements du jazz subirent l'influence de la ségrégation raciale, qui était alors très forte aux États-Unis. Les innovations, apportées principalement par les musiciens noirs des clubs, étaient enregistrées par des musiciens blancs, qui avaient tendance à donner au jazz des rythmes et des harmoniques orthodoxes. La lente dissolution de la ségrégation raciale s'amorça au milieu des années trente, quand Benny Goodman engagea le pianiste Teddy Wilson, le vibraphoniste Lionel Hampton et le guitariste Charlie Christian pour qu'ils se joignent à de petits groupes et à son big band. Au milieu des années trente, la popularité du swing et des big bands était à son sommet, transformant en stars des musiciens tels que Glenn Miller ou Duke Ellington. Une variante du swing, nommée « Jump Blues », devança – par certains aspects – le rhythm and blues et le rock and roll. Elle n'était pas jouée par des big bands, mais plutôt par de petits groupes, et utilisait les progressions d'accords habituelles du blues avec un tempo plus rapide. Une autre variation, le boogie-woogie, utilisait un rythme doublé, c'est-à-dire que la section rythmique jouait « eight to the bar », huit temps par mesure à la place de quatre. Big Joe Turner, un chanteur de Kansas City qui travaillait avec les orchestres de swing des années trente – tels que l'orchestre de Count Basie – devint une star du boogie-woogie dans les années quarante, et fut l'un des précurseurs du rock and roll dans les années cinquante, notamment avec son titre Shake, Rattle and Roll. Dans les années 1940, de nombreux musiciens d'orchestre se lassent de la rigidité des big bands et de la structure swing. Ils se réunissent (« after hours ») en petits groupes après les concerts ou les sessions d'enregistrement avec des orchestres plus importants et laissent libre cours à leur virtuosité sur des rythmes très appuyés. C'est la naissance du be-bop qui marque une évolution importante axée sur l'habileté technique des musiciens et une plus grande complexité rythmique et harmonique, amenée entre autres par le saxophonis Charlie Parker (surnommé Bird), le trompettiste Dizzy Gillespie et le pianiste Thelonious Monk. Ce fut un changement majeur pour le jazz : de musique de dancing, il devenait un art intellectuel de premier rang. Avec Birth of the Cool, le trompettiste Miles Davis, qui avait longtemps travaillé avec Charlie Parker cherche à revenir à une musique plus apaisée et plus accessible. C'est la naissance du mouvement « cool » qui connaîtra un succès particulier auprès des musiciens de la West Coast, et dont l'un des principaux représentants est le saxophoniste ténor Stan Getz et le trompettiste Chet Baker. En 1959, Miles Davis crée une nouvelle fois l'événement avec Kind of Blue qui pose les fondements du jazz modal où la structure harmonique des morceaux était encore beaucoup plus libre qu'auparavant, qui souvent ne se basaient que sur quelques accords de piano et de basse. Le reste n'était qu'improvisation. Le Hard bop est une tentative de rendre le bebop plus accessible au grand public, en y incorporant des influences venues de la soul, du gospel et du blues. La plus belle illustration de ce style est certainement le quintet des "Jazz Messengers" fondé par le batteur Art Blakey avec, pour la première formation Benny Golson au sax tenor, le jeune Lee Morgan à la trompette, Bobby Timmons au piano et Jymie Merrit à la contrebasse. À la fin des années 1950, John Coltrane impulse une nouvelle évolution qui ouvre la voie au Free jazz, illustré par Archie Shepp, Albert Ayler, Pharoah Sanders, L'Art Ensemble of Chicago et de nombreux autres.
Il existe deux variétés principales de jazz latin : le jazz Afro-Cubain et le jazz influencé par les styles brésiliens. Le jazz Afro-Cubain était joué aux États-Unis pendant les années 1950, surtout après la mort de Charlie Parker. Les musiciens bop comme Dizzy Gillespie et Billy Taylor ont commencé des groupes qui utilisent les styles Afro-cubain des artistes cubains ou de Porto Rico comme Tito Puente, Mario Bauza, et Chano Pozo. La bossa nova (« nouvelle bosse », en portugais, traduit généralement par « nouvelle vague » en français) est un style musical qui mélange les influences de jazz, samba, musique classique, et musique populaire. La bossa nova était popularisée par João Gilberto et Antonio Carlos Jobim au Brésil ; au commencement des années 1960, la bossa nova remporta un succès planétaire avec le chanson A Garota de Ipanema (The Girl from Ipanema, en anglais). Par la suite, les styles latins comme la bossa nova et le samba sont devenus une partie intégrale du vocabulaire musical du jazz. Après à peu près une décennie du rock and roll, vers 1968 la forme hybride du jazz-rock fusion apparaît avec toujours Miles Davis qui publie les albums fusion In a Silent Way et Bitches Brew. Quelques groupes importantes du style fusion étaient : Chick Corea avec son group Return to Forever ; le batteur Tony Williams et son groupe Lifetime (avec John McLaughlin et Larry Young en 1969 plus Jack Bruce en 1970) ; Herbie Hancock et son groupe les Headhunters ; John McLaughlin et le Mahavishnu Orchestra ; Soft Machine ; the Pat Metheny Group ; et le groupe Weather Report. En France, des groupes majeurs de jazz-rock fusion étaient Magma, Tryphon, STS, Sixun, Surya, et Atoll. Quelques uns des bassistes importants de l'ère de jazz-rock fusion étaient Alain Caron, Stanley Clarke, et Jaco Pastorius. Des batteurs important étaient, parmi d'autres, Dave Weckl et Tony Williams. Pour les claviers, les joueurs importants étaient Joe Zawinul, Carla Bley, Chick Corea, et Herbie Hancock. Pour la guitare, c'était John McLaughlin et Pat Metheny. Pour la trompette, les joueurs étaient Herb Alpert, Randy Brecker, et Miles Davis. Un joueur de saxophone qui a beaucoup influencé l'ère du jazz-rock fusion était Wayne Shorter. Deux violonistes du style jazz-fusion, qui jouaient des instruments amplifiés, étaient Didier Lockwood et Jean-Luc Ponty.

Depuis la période de fusion de jazz et rock, la diversité stylistique du jazz n'a pas décru. Le jazz a absorbé des influences de sources aussi disparates que la world music, la musique classique d'avant-garde ou les rythmes africains, et utilisant plus couramment la gamme chromatique (avec des musiciens comme Ornette Coleman, Arthur Doyle ou John Zorn). Néanmoins, les amateurs de jazz sont beaucoup moins nombreux, et divisés entre les plus âgés, préférant le jazz traditionnel, un petit noyau de musiciens et de fans plus intéressés par un jazz moderne plus expérimental, et un groupe en constante évolution de musiciens mélangeant les différents types de jazz avec des genres musicaux contemporains, formant des styles différentes. Quelques courants mêlant jazz et musiques plus populaires sont apparus dans les années 80. L'identification claire de ces courants par un nom n'est pas le signe d'une quelconque vitalité, ou importance en nombre de musiciens, mais bien une technique commerciale. L'acid jazz de la fin des années 1980 et des années 1990 mélange des éléments de jazz avec les styles disco des années soixante-dix. L'acid swing des années 1990 combine les styles des big bands des années quarante avec des sons plus rapides et plus agressifs de batterie et de guitare rock. Le smooth jazz des années 1980 est une variante très accessible du jazz, mêlant des sonorités douces (smooth : doux, lisse en anglais) au côté très 'Jam' du jazz. Plus souvent instrumental que chanté, il utilise souvent divers synthétiseurs, accompagnée d'une mélodie par un instrument jouant en solo. Le smooth jazz est très vendeur aux États-Unis, mais aussi très controversé, parce que considéré par les amateurs de jazz comme pauvre musicalement et uniquement commercial. La majorité des musiciens considèrent cependant qu'il jouent du jazz, malgré l'extrême diversité des musiques que l'on classe désormais sous ce nom. Il est aujourd'hui illusoire de pouvoir identifier divers courants dans le jazz moderne, ce sont essentiellement des personnalités qui émergent. Quelques tendances sont toutefois perceptibles : Une tendance revivaliste, surtout active aux états-unis, et dont la figure de proue est généralement identifiée comme étant Wynton Marsalis. C'est une génération de jeunes musiciens, généralement dotés d'une technique irréprochable, et très conscients et respectueux de l'héritage du jazz classique des années 30-50. Représentants: Wynton Marsalis, Cyrus Chesnut. Une tendance européenne, marquée par la maison de disques ECM. Sous l'impulsion, entre autres, de Jan Garbarek, John Surman, Egberto Gismonti, mais aussi de musiciens américains comme Ralph Towner ou Bill Frisell, s'amorce dès les années 70 une tendance où le rythme est beaucoup moins prédominant, au profit d'une grande place donnée à la mélodie, et à l'expressivité. Cette musique intègre l'héritage du free jazz, tout en possédant une structure généralement plus classique. Elle s'inspire aussi de la musique contemporaine ou des musiques du monde. À la fin des années 1980 et durant les années 1990, des tentatives de mélange de musiques électroniques, comme le drum and bass, créent un style appelé future jazz, le jazz-house ou Nu Jazz. Les artistes comme le pianiste Bugge Wesseltoft, le joueur de trompette Nils Petter Molvær, et le trio Wibutee mélangent aussi des éléments . D'autres groupes nu jazz sont: Skalpel, Jaga Jazzist, Fila Brazillia, et Stade. Le jazz est un mélange de courants musicaux très divers et au cours de son évolution, il a su intégrer de nombreuses influences et se prêter à de nombreux métissages, comme le blues, le rock, la musique latine, le world-beat, et ainsi de suite. Du point de vue de la technique musicale, sa richesse et sa complexité sont aujourd'hui telles qu'il est difficile de décrire précisément ce qui le caractérise, parce que le jazz comprend une grande variété de sous-types, comme traditionnelle, be-bop, fusion, free-jazz, etc. D'après Travis Jackson, on pourrait définir le jazz d'un façon plus "ouverte", en disant que le jazz (soit qu'on parle de swing, fusion, ou latin-jazz) est une musique qui inclut souvent des qualités comme le swing, l'improvisation, l'interaction en groupe, le développement d'une voix individuelle comme artiste, et être "ouverte" aux diverses possibilités musicales. Les éléments distinctifs suivants dans la majorité des styles de jazz :
Swing : une notion un peu abstraite qui signifie que la musique jouée atteint une sorte de "moment de grâce" assez difficile à expliquer concrètement. C'est la moment où la musique, le "feel", et l'interaction entre les musiciens décolle ; Improvisation : un processus par lequel le musicien de jazz crée ou produit une œuvre musicale spontanée en se servant de sa créativité dans l'instant et de son savoir technique et théorique des divers styles de jazz ; l'interaction en groupe ; le développement d'une voix individuelle comme artiste (Sonorité et phrasé): les musiciens de jazz sont souvent à la recherche de l'expression musicale individuelle, innovatrice et créative ; être "ouverte" aux diverses possibilités musicales ; Standard de jazz : les morceaux bien connus, pour la plupart issus des comédies musicales de Broadway, qui ont acquis une certaine notoriété via ces films, qui font l'objet de nombreuses reprises et sont joués lors des jam sessions (e.g., All of Me, Autumn Leaves, Mack the Knife, Summertime, etc.).

Source : wikipédia

A part quelques noms, j'ai beaucoup de mal avec le jazz des années 40 à 60 (environ), surtout cet aspect "improvisation permanente" - ça me lasse très très vite, je trouve ça très confus sur le plan harmonique et l'instrumentation ne me parle pas vraiment non plus (trop de cuivres à mon goût ! )

Mais bon j'adore tout de même certains titres de jazz orchestral (la collaboration entre Miles Davis et Gil Evans par exemple) et le jazz vocal très souvent... de même que le Rythm'n'Blues !

Comme Kfigaro