Le film musical

Marilyn Monroe 'Les hommes préfèrent les blondes'

Le film musical est un genre de cinéma qui contient de la musique, des chansons et de la danse. Il peut être confondu avec la comédie musicale, forme de théâtre où ont été ajoutées de la musique, des chansons et de la danse.

Le cinéma parlant
Dès les débuts du cinéma, le besoin de sonorisation et d'illustration musicale se font ressentir. Thomas Alva Edison, inventeur du Phonographe considérait que son Kinétoscope (l'invention décisive qui a véritablement permis la naissance du cinéma) ne serait pas complet tant qu'il n'aurait pas trouvé le moyen d'associer son et image. Les films des trente premières années du cinéma, muets, sont souvent sonorisés artisanalement : chanteur caché pendant la projection, piano, orchestre ou phonographe d'accompagnement, etc.
Le premier film parlant véritablement médiatisé est 'The Jazz Singer' (1927) par Alan Crosland avec Al Jolson. C'est aussi le premier film chantant.



Les films « avec chansons »

En quelques années la sonorisation s'impose dans le cinéma mondial et avec elle, la chanson. Sans parler des premières comédies musicales, des opérettes et des opéras filmés, les films des années 1930 contiennent souvent une ou deux chansons, révélant au passage le talent de nombreux acteurs-chanteurs : Jean Gabin (Pépé le Moko, Cœur de lilas), Danielle Darrieux (La crise est finie, Mon cœur t'appelle, Un mauvais garçon) Maurice Chevalier et Claudette Colbert (La Chanson de Paris) ou Marlene Dietrich (L'Ange bleu) par exemple. Des artistes issus du music-hall ou du café-concert gagneront ou regagneront une certaine popularité grâce au cinéma : Fréhel (Pépé le Moko, Cœur de lilas), Joséphine Baker (Princesse Tam Tam, Zouzou) et Bing Crosby. Certains ne quitteront plus le 7e art, comme Fernandel. Les industries du disque et du film se rapprochent en se complétant, les films servant à faire vendre des disques et réciproquement, parfois de manière artificielle, comme lorsque la Gaumont modifie le montage de L'Atalante (Jean Vigo) pour y ajouter la chanson 'Le Chaland qui passe', par Lys Gauty.
Des films sont même crées à la gloire d'artistes vocaux dont l'« univers » tient souvent lieu de scénario : Charles Trenet (La Route enchantée, La Romance de Paris), Irène de Trébert (Mademoiselle Swing), comme plus tard Elvis Presley, les Beatles, Johnny Halliday, les Spice Girls, Mariah Carey, Eminem et des centaines d'autres.

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La comédie musicale américaine

Les films « avec des chansons » sont rapidement rejoints par la comédie musicale filmée.
Certains films sont des adaptations à l'écran de comédies musicales à succès issues de Broadway. On considère généralement que les premiers films dans ce cas, tous sortis en 1929, sont 'The Desert Song', de 'Roy Del Ruth', 'The Cocoanuts' un film de Robert Florey et Joseph Santley mettant en scène les Marx Brothers, 'Paris', de Clarence G. Badger d'après Cole Porter, et surtout 'Show Boat', de Harry A. Pollard.

Les années 1930 sont celles de toutes les extravagances en matière de comédie musicale filmée et nombreux sont ceux qui considèrent que le genre n'a jamais connu une telle vitalité depuis. Chant, danse, décors fastueux, les comédies musicales offrent au public de la Grande dépression le rêve et l'évasion dont il a besoin : les films de Mervyn LeRoy (Golddiggers of 1933, 1935) et de Lloyd Bacon (42th street, 1933, Wonder bar, 1934, À Calliente, 1935), films très marqués par le style « géométrique » du chorégraphe Busby Berkeley, qui passera rapidement derrière la caméra lui-même.
En 1935, avec 'Top Hat', le réalisateur Mark Sandrich offre à la comédie musicale son premier couple mythique : Fred Astaire et Ginger Rogers.
La fin de la décennie verra arriver la couleur. 'Le Magicien d'Oz', de Victor Fleming, sorti en 1939, constitue à l'époque le film le plus coûteux jamais produit par la Metro-Goldwyn-Mayer. Son succès public sera phénoménal. C'est cependant 'Autant en emporte le vent', du même Victor Fleming, qui volera au 'Magicien d'Oz' l'Oscar du meilleur film de 1939.

Après la Seconde Guerre mondiale, la Metro-Goldwyn-Mayer règne sans partage sur la production de comédies musicales et prend sous contrat Judy Garland, Fred Astaire, Gene Kelly, Frank Sinatra, Vincente Minnelli, Cyd Charisse, Esther Williams, Debbie Reynolds, Mickey Rooney, Jane Powell, Howard Keel, Kathryn Grayson, Ann Miller, etc., pour des films devenus classiques, produits par Arthur Freed, tels que 'Ziegfeld Follies', 'Un Américain à Paris', 'Chantons sous la pluie', 'Un jour à New York', 'Le Chant du Missouri' ou 'Tous en scène'. On considère généralement que ce second « âge d'or » de la comédie musicale s'achève en 1958 avec le film 'Gigi', inspiré du roman homonyme de Colette et dans lequel figuraient Leslie Caron, Maurice Chevalier et Louis Jourdan. Le tout dernier film produit par Samuel Godwyn est 'Porgy and Bess', réalisé par Otto Preminger en 1959. Les ayants-droits de George Gershwin ont obtenu en 1974 que le film n'ait plus la possibilité d'être montré : ils le jugeaient trop « comédie musicale » et pas assez « opéra ». Cet épisode démontre s'il en était besoin la réputation problématique dont pâtit parfois le film musical.

C'est en vain que les concurrents de la MGM tenteront de percer véritablement dans le domaine du film musical, mais on peut tout de même citer quelques réussites artistiques ou commerciales telles que 'La Glorieuse Parade' (Yankee Doodle Dandy) (1942) et 'Une étoile est née' (1954) chez Warner, 'Les hommes préfèrent les blondes' (1953), 'Carmen Jones' (1954) et 'Le Roi et moi' (1956) chez Fox, 'Holiday Inn' (1942), 'Blue Skies' (1946) et 'Drôle de frimousse' (1957) chez Paramount et 'Oklahoma!' (1955) chez RKO.

À partir des années 1960, passée la période de la MGM, Hollywood cesse d'enchaîner les sorties de films musicaux. Les grands succès, souvent adaptés de spectacles de Broadway, sont plus épars, mais non moins marquants : 'West Side Story' (1961), 'My Fair Lady' (1964), 'La Mélodie du bonheur' (1965), 'Funny Girl' (1968), 'Jesus Christ Superstar' (1971), 'Cabaret' (1972), 'Grease' (1978), 'Que le spectacle commence' (1979), 'Popeye' (1980), 'Annie' (1982), 'Chorus Line' (1985), 'La petite boutique des horreurs' (1986), 'Chicago' (2002) ou encore les films de l'australien Baz Luhrmann : 'Ballroom Dancing' (1992), 'Romeo + Juliette' (1996) et 'Moulin Rouge' (2001).

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Bande annonce de 'Blanche Neige', 1937

Le cinéma d'animation

En 1937, Blanche-Neige et les Sept Nains inaugure une formule conservée par les studios Disney jusqu'au début des années 2000, celui du long-métrage d'animation en couleurs, avec des parties chantées. Mais on considère généralement que le premier film long-métrage musical animé est 'Douce et Criquet s'aimaient d'amour tendre' (Mister Bug Goes to Town) des frères Max et Dave Fleischer (1941).
L'année précédente, en 1940, les studios Disney s'étaient lancés dans une expérience originale, avec le film 'Fantasia', qui est constitué de huit séquences illustrant à l'écran des morceaux d'anthologie de la musique classique, de Jean-Sébastien Bach à Igor Stravinski. Le film est inspiré des travaux du cinéaste d'avant-garde Oskar Fischinger, un disciple de Walter Ruttmann qui, dès le début des années 1930 avait réalisé des films d'abstraction géométrique illustrant Liszt ou Gershwin.
À partir de 1989 Alan Menken, un compositeur de comédies musicales issu du monde du théâtre, écrit les chansons des « grands films d'animation » Disney, comme 'La Petite Sirène', 'Aladdin', 'La Belle et la bête', 'Le Bossu de Notre-Dame', 'Hercule' et 'Pocahontas'. Cette collaboration vaudra à Alan Menken d'être devenu le compositeur vivant ayant reçu le plus d'oscars (huit au total).
En 1993, Disney innove encore en produisant une comédie musicale en « Stop Motion » (Animation en volume), 'L'Étrange Noël de Monsieur Jack', par Henry Selick.

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'Don Giovanni' de Losey

Le film d'opéra

Enfin, dans le cadre de films contenant de la musique, des chansons et de la danse, le film d'opéra est une catégorie à part entière. Les opéras furent même servis au temps du muet (!!), mais n'intéressant a priori qu'un public restreint, ne furent que peu produits jusque dans les années 1950 et notamment l'apparition de la stéréophonie. Herbert von Karajan réalisa quelques productions hiératiques, pour lesquelles les caméras sur scène filmaient des mises en scènes spécifiques et conventionnelles, dont notamment une 'Aïda' d'après Verdi dans laquelle Sofia Loren était doublée par Renata Tebaldi.

Il faut attendre les années 1980 pour voir des productions spécifiquement cinématographiques, à commencer par la très intéressante triple production que Peter Brook fit de 'Carmen' en 1983. Il avait monté l'opéra au théâtre dans un format légèrement restreint, mais avec trois équipes de solistes différentes, pour permettre une représentation quotidienne. Il décida de prolonger l'expérience en réalisant trois films intitulés 'La Tragédie de Carmen', à l'intérieur même du théâtre, mais en en utilisant tous les lieux possibles, avec ses trois équipes de chanteurs et en recréant une mise en scène pour l'écran. Les rôles-titre étaient tenus par Hélène Delavault, Zehava Gal et Eva Saurova.

Mais l'homme-clé du genre demeure Daniel Toscan du Plantier qui, au cours des années 1980, fut l'initiateur et le producteur d'une série de films utilisant toutes les ressources du cinéma au service des opéras, réalisés en décors naturels ou en studio selon les impératifs artistiques, et appelant des grands noms pour les réaliser :'Don Giovanni' de Joseph Losey en 1980, 'Carmen' de Francesco Rosi en 1984, 'La Bohème' de Luigi Comencini en 1988, 'Boris Godounov' d'Andrzej Żuławski en 1989.

Sur cette lancée, Frédéric Mitterrand produisit et réalisa une notable 'Madame Butterfly' en 1995.

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